domenica 25 ottobre 2026
Gabe Sonnier
Thomas Rowlandson [Disegnatore e caricaturista inglese, 1757-1827]
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Thomas Rowlandson
The Pit of Acheron, or the Birth of the Plagues of England (1784)
(La fossa di Acheronte o La nascita delle piaghe d'Inghilterra)
Acquaforte colorata a mano
L'opera è conservata in importanti musei internazionali,
tra cui il Metropolitan Museum of Art e la British Museum
La vignetta satirizza la famigerata Coalizione Fox-North del 1783 (l'alleanza politica tra Charles James Fox e Lord North), utilizzando come espediente scenico la celebre scena delle streghe dal Macbeth di William Shakespeare.
Dal calderone bollente emergono le teste dei politici britannici dell'epoca, tra cui Charles James Fox, Lord North e Edmund Burke.
Nel calderone si leggono iscrizioni come "Deceit" (Inganno), "Pride" (Orgoglio) e "Loan Lottery".
Una delle streghe estrae da un sacco il giovane avvocato e politico Thomas Erskine, mentre sullo sfondo è riconoscibile il paesaggio londinese con il Westminster Bridge.
Conrad Laib [German painter, born 1410 - dopo il 1460] / Il teschio presente ai piedi della croce
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Conrad Laib - Kreuzigung Christi (1449)
Tempera e olio su tavola in legno di abete rosso - 179 x 179 cm
Österreichische Galerie Belvedere, Vienna
Uno dei massimi capolavori del tardo gotico nell'area alpina, fortemente influenzato sia dal realismo dei primitivi fiamminghi sia dall'arte italiana.
Elemento caratteristico è il sontuoso sfondo dorato decorato a motivi floreali incisi, tipico della tradizione medievale, che contrasta con il forte realismo dei volti e delle armature dei soldati.
Il teschio presente ai piedi della croce
Il teschio visibile ai piedi della croce (quasi sempre presente nelle crocifissioni) racchiude un profondo significato teologico e iconografico.
La tradizione cristiana e i testi apocrifi narrano che la crocifissione di Gesù avvenne sul monte Golgota (che in aramaico significa letteralmente "luogo del cranio") esattamente nello stesso punto in cui era stato sepolto il primo uomo, Adamo.
La presenza del teschio simboleggia diversi concetti chiave.
Il riscatto dal peccato originale. Il sangue di Cristo, scendendo dalla croce sulla terra e bagnando idealmente i resti di Adamo, purifica l'intera umanità dal peccato originale.
La vittoria sulla morte. Gesù (spesso definito dai teologi come il "Nuovo Adamo") trionfa sulla morte e sul peccato introdotti nel mondo dal primo Adamo.
Il Memento Mori. Funge anche da universale ammonimento sulla transitorietà della vita terrena per lo spettatore dell'epoca.
sabato 24 ottobre 2026
Pensierino della sera di Rocco Ciccone
Leonid Michailowitsch Dorenski
Leonid Michailowitsch Dorenski
I festeggiamenti per la fine della Seconda Guerra Mondiale nella Piazza Rossa di Mosca, 9 maggio 1945
Claude Monet
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Claude Monet - Vue sur la Prins Hendrikkade et le Kromme Waal à Amsterdam (1874)
(Veduta del Prins Hendrikkade e del Kromme Waal ad Amsterdam)
Durante i suoi viaggi nei Paesi Bassi, Monet rimase profondamente affascinato dai canali, dalle imbarcazioni e dalla luce nordica. In questa tela cattura uno scorcio del porto di Amsterdam con una serie di barche ormeggiate in primo piano e le caratteristiche facciate degli edifici olandesi sullo sfondo, utilizzando pennellate rapide e vibranti per riprodurre i riflessi tremolanti dell'acqua.
Charles Dana Gibson [Illustratore, fumettista ed editore statunitense, 1867-1944]
Charles Dana Gibson - dalla serie: "The Weaker Sex" (1906)
La testa dell'uomo al centro è disegnata in modo da creare un effetto di sdoppiamento dinamico o una sorta di "solido di rotazione" geometrico. Gibson utilizza questa tecnica visiva per rappresentare graficamente un uomo che tenta disperatamente di seguire e partecipare a due conversazioni contemporaneamente con le due donne ai suoi lati, girando la testa così velocemente da confonderne i contorni.
Il titolo della serie gioca ironicamente sullo stereotipo ottocentesco delle donne come "sesso debole". Nella realtà delle illustrazioni di Gibson, la situazione è ribaltata: l'uomo (l'eroe della scena) appare sopraffatto, goffo e socialmente "debole" di fronte alla forte e magnetica presenza delle due donne.
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Un momento di pura e fragile sospensione, una gigantesca bolla di sapone fluttua leggera nel cuore della città. Le forme geometriche e severe dell'edificio sullo sfondo, con le sue finestre squadrate e la ringhiera in ferro battuto del balcone, si scontrano con la morbida e perfetta rotondità della bolla. Quest'ultima agisce come una lente magica e flessibile: la sua superficie traslucida e cangiante accoglie il mondo circostante, distorcendone i profili in un gioco di riflessi liquidi e sfumature iridescenti. Tutto l'ambiente è immerso in una tonalità blu profonda e uniforme, che trasforma una scena urbana quotidiana in una dimensione onirica e quasi subacquea, congelando l'attimo prima che questo miracolo di sapone e vento svanisca nel nulla.
Ramón Casas i Carbó [Pittore spagnolo, 1866-1932]
Ramón Casas i Carbó - Las sirenas del Mediterráneo / Les Sirenes de la Mediterrània (1902)
(Le sirene del Mediterraneo)
"Le sirene del Mediterraneo" è un'opera d'arte totale applicata allo spazio pubblico, che incarna i principi del Modernismo catalano (l'Art Nouveau di Barcellona).
Tutta la composizione è dominata dalla linea curva e flessuosa. I corpi delle sirene, i loro lunghi capelli ramati e i tentacoli della medusa si fondono con il movimento ondulatorio dell'acqua, eliminando quasi le linee rette.
L'opera non è concepita come un quadro isolato, ma come un fregio decorativo continuo che avvolge la sala da pranzo dell'allora Fonda España. Originariamente la sala era soprannominata "La Pecera" (l'acquario), proprio perché il dipinto dava agli ospiti la sensazione di cenare immersi sotto il livello del mare.
Sulla sommità della parete, dove il mare incontra il soffitto, Ramón Casas disegna delle onde spumeggianti stilizzate che richiamano esplicitamente le stampe ukiyo-e giapponesi, in particolare la celebre "Grande onda di Kanagawa" di Katsushika Hokusai.
A differenza dell'iconografia classica o medievale delle sirene con la coda di pesce, Casas compie una scelta singolare: le sue sirene mantengono le gambe umane, che terminano in piedi aggraziati. Il loro status di creature marine è suggerito unicamente dal contesto subacqueo, dalla fluidità del movimento e dalle alghe che le avvolgono.
Le figure femminili sono nude, sensuali e mostrano i tipici capelli rossi/ramati che Casas amava ritrarre nelle sue muse. Rappresentano l'ideale di bellezza dell'epoca: donne libere, seducenti e misteriose, integrate armoniosamente con la natura selvaggia e marina.
Accanto alle sirene nuota una fauna marina autoctona resa con tratti veloci e decorativi: una grande razza sulla sinistra, una medusa eterea in alto a destra, e pesci che richiamano la biodiversità del Mar Mediterraneo, legando l'opera all'identità locale catalana.
Più che un classico affresco, l'opera utilizza una raffinata tecnica decorativa a sgraffito e pittura murale su intonaco, che crea leggeri rilievi materici (visibili soprattutto nelle onde dello sfondo).
La tavolozza cromatica è dominata dal verde acquamarina, dal turchese e dal celeste pallido dell'acqua, che contrasta nettamente con i toni caldi della pelle dorata e dei capelli fulvi delle sirene.
La parte inferiore dell'opera (la boiserie in legno e le piastrelle ceramiche con scudi araldici) fu progettata da Lluís Domènech i Montaner. Il forte stacco cromatico e materico tra il legno scuro geometrico inferiore e la fluidità azzurra del dipinto superiore crea un perfetto equilibrio tra struttura architettonica e decorazione pittorica, obiettivo cardine dell'Art Nouveau.
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It (2017, diretto da Andy Muschietti)
Ambientato nella fittizia cittadina di Derry, nel Maine, il film sposta la linea temporale dei protagonisti bambini alla fine degli anni '80 (1988-1989). La trama segue il Club dei Perdenti, un gruppo di sette ragazzini emarginati che si uniscono per combattere una terrificante entità mutaforma che si risveglia ogni 27 anni e si manifesta principalmente sotto le sembianze di Pennywise, il Clown Ballerino.
Le Body Farm
Cadavere parzialmente decomposto, 2003
Le Body Farm sono laboratori di ricerca forense all'aperto. In queste strutture, i corpi umani donati spontaneamente alla scienza vengono posizionati in diversi ambienti (esposti al sole, all'ombra, seppelliti, in acqua o chiusi in auto) per studiarne il naturale processo di decomposizione.
Gli obiettivi principali sono:
Determinare l'ora del decesso (Epoca della morte)
Studiando come i tessuti cambiano nel tempo rispetto a temperatura, umidità e intemperie, i ricercatori riescono a calcolare con maggiore precisione l'intervallo post-mortem (PMI).
Analisi entomologica forense
Viene analizzato il comportamento degli insetti (come mosche e coleotteri) che colonizzano il cadavere a seconda dello stadio di decomposizione, un indicatore fondamentale nelle indagini criminali.
Impatto delle variabili ambientali
I corpi vengono lasciati all'aria aperta, sepolti, immersi in acqua, oppure chiusi all'interno di auto o sacchi per osservare come cambiano le dinamiche di decomposizione.
Addestramento delle forze dell'ordine
Investigatori, agenti dell'FBI e medici legali da tutto il mondo frequentano queste strutture per imparare a repertare i resti umani, distinguere i traumi ossei dai danni causati dagli animali e localizzare fosse comuni.
La primissima Body Farm al mondo è stata fondata nel 1981 dal dottor William M. Bass presso l'Università del Tennessee a Knoxville. Oggi negli USA se ne contano circa una dozzina (tra cui Texas State University e Sam Houston State University). Esistono strutture simili in Australia, Canada e Regno Unito. Le normative europee e i tabù culturali ne hanno rallentato la diffusione. L'esempio principale è ad Amsterdam (Paesi Bassi), mentre studi recenti sul compostaggio umano e la decomposizione controllata sono stati avviati anche a Losanna, in Svizzera.
In Italia non esistono Body Farm strutturate come quelle americane, principalmente a causa di rigide restrizioni legislative sulla gestione e l'esposizione dei cadaveri. Tuttavia, la ricerca scientifica si sta muovendo: nel 2023, a Varese, è partito il primo protocollo sperimentale pilota italiano per monitorare scientificamente i processi di decomposizione in ambito controllato.
La cultura di massa ha iniziato a conoscere queste strutture grazie alla letteratura, in particolare con il celebre romanzo thriller "La fabbrica dei corpi" (The Body Farm) di Patricia Cornwell.
Miles Cleveland Goodwin
Miles Cleveland Goodwin - Angel at His Deathbed (Un Angelo sul letto di morte)(2023)
L'opera approfondisce la complessa e struggente esplorazione della mortalità umana attraverso lo stile Southern Gothic.
Il dipinto cattura la vulnerabilità e la crudezza degli ultimi istanti di vita all'interno di un contesto domestico rurale. Goodwin costruisce la scena ponendo l'accento sulla transizione spirituale e la reazione psicologica dei presenti.
Adagiato a sinistra su un giaciglio improvvisato, l'uomo appare consumato dalla vecchiaia e dalla sofferenza, abbandonato in una postura di rassegnazione ed estrema fragilità.
Le figure che circondano il letto incarnano generazioni diverse e differenti reazioni emotive all'inevitabilità della morte. L'espressione della donna anziana sulla destra rimanda a una dolorosa e dignitosa accettazione, mentre l'uomo sullo sfondo evoca una profonda prostrazione emotiva.
Il neonato o bimbo piccolo posto al centro del letto genera un forte contrasto simbolico tra l'inizio e la fine del percorso biologico (la brutalità della vita e della morte affrontata con perseveranza).
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Diane Arbus - Woman at a counter smoking, NYC., 1962
Gli storici dell'arte associano spesso questa composizione all'universo pittorico del pittore Edward Hopper, in particolare al capolavoro Nighthawks (I falchi della notte).
La Arbus riesce a isolare il soggetto in uno spazio pubblico: la donna indossa vistosi occhiali da sole scuri al chiuso, una barriera visiva che ne maschera lo sguardo e accentua un senso di profonda alienazione, mistero e vulnerabilità emotiva all'interno della metropoli.
Mario D'Antona [Pittore e illustratore italiano, 1911-1977]
Mario D'Antona - La montagna di luce (1947)
L'opera è stata eseguita per corredare un'edizione del celebre romanzo d'avventura "La montagna di luce" di Emilio Salgari.
La vicenda narra del tentativo di sottrarre il celebre e colossale diamante Koh-i-Noor (chiamato appunto "La montagna di luce").
Nel corso della storia, i protagonisti si trovano a dover fronteggiare una setta di dacoiti (predoni indiani) guidati da un malvagio e misterioso fachiro.
Nell'illustrazione sulla destra, un militare indiano con il turbante solleva per i capelli la testa mozzata del fachiro traditore, mostrandola ai compagni.
Sulla sinistra, un ufficiale britannico in divisa coloniale (con il casco) e i suoi soldati sepoy indiani avanzano armati di fucile all'interno del palazzo.
La didascalia scritta a mano: "Ora non mi direte più che questa non sia quella di Sitama. Guardatela!..." è la battuta esatta pronunciata dal personaggio nel libro per dissipare ogni dubbio sull'identità dell'uomo ucciso.
Fra Filippo Lippi [Italian Early Renaissance Painter, ca.1406-1469]
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Filippo Lippi - Madonna col Bambino e due angeli (1460-65)
Tempera on wood - 95 x 62 cm - Uffizi Gallery, Firenze
A differenza delle tradizionali e solenni Madonne medievali, Lippi introduce un'incredibile naturalezza e umanità. La Vergine Maria è ritratta di profilo con un'acconciatura elaborata tipica delle donne fiorentine del Quattrocento, mentre un angioletto in primo piano guarda sorridente verso lo spettatore.
Secondo la tradizione, le sembianze della Madonna riprendono il volto di Lucrezia Buti, la monaca carmelitana di cui Filippo Lippi (anch'egli frate) si innamorò e con cui ebbe due figli, tra cui il futuro pittore Filippino Lippi.
Sullo sfondo si staglia un paesaggio roccioso e costiero finemente sfumato, ispirato alla pittura fiamminga, che si apre oltre la cornice della finestra in cui sono inseriti i personaggi.
Questo dipinto rappresentò un punto di riferimento assoluto per gli artisti successivi, influenzando in modo determinante lo stile del suo allievo più celebre, Sandro Botticelli.
"La cintura di sicurezza ti salva la vita (e soprattutto costi al SSN)."
...e se non la metti ti faccio la multa, e se ti prendo recidivo ti tolgo la patente... ma le strade non le curo.
O la borsa o (e) la vita
Roma, Via Palmiro Togliatti, ottobre 2026
Latisana (Udine) - Resta intrappolata nell’auto in un sottopasso allagato: muore una donna di 83 anni
Inutili i tentativi di soccorso: un carabiniere, tuffatosi per soccorrerla, è riuscito a tirarla fuori dall'abitacolo ma non a salvarle la vita.
p.s.: Non c'è nessuna urgenza ambientale sono estremismi ideologici e fanatismo verde che minano l'economia della nostra bella Italia.
venerdì 23 ottobre 2026
Pensierino della sera di Émile Pouget
"Nonostante tutte le teorie criminali che rappresentano la società come un campo di battaglia e gli uomini come esseri capaci di esistere solo ferendosi a vicenda, facendosi a pezzi e divorandosi, abbiamo fatto progressi e l'idea di solidarietà è fiorita perché l'istinto di armonia sociale è più potente delle teorie della lotta per la sopravvivenza."
: : Émile Pouget, Les Bases du Syndicalisme, 1908 : :
Pouget attacca le teorie che descrivono la società umana come un eterno campo di battaglia dominato dalla "legge del più forte". Sostiene che l'umanità si sia evoluta non grazie alla competizione spietata, ma attraverso l'istinto di armonia sociale. Il concetto si lega strettamente alle teorie sul mutuo soccorso formulate anche da altri pensatori anarchici dell'epoca (come Pëtr Kropotkin), che vedevano nella cooperazione la vera spinta del progresso umano. Teorie oggi tanto suggestive quanto totalmente anacronistiche.
Edvard Munch [Norwegian Symbolist/Expressionist Painter, 1863-1944]
Edvard Munch on his deathbed, 1944
George Cruikshank [Illustratore britannico, 1792-1878]
George Cruikshank
Every Dog has his Day or Black Devils Amusing Themselves with a White Negro Driver
("Ogni cane ha il suo giorno, ovvero diavoli neri che si divertono con un sorvegliante nero bianco")
(1818)
L'opera è una caricatura satirica a colori legata al tema della schiavitù e dell'abolizionismo. L'opera inverte ironicamente i ruoli di potere del tempo: un sorvegliante bianco di piantagione (noto storicamente per la sua crudeltà verso gli schiavi neri) viene tormentato all'inferno da diavoli neri che usano contro di lui le stesse fruste e torture.
"Every dog has his day"
Il proverbio inglese "Every dog has his day" (letteralmente "Ogni cane ha il suo giorno") corrisponde all'espressione italiana "A ognuno tocca il suo giorno di gloria" o, in un contesto di giustizia retributiva come questo, "A ciascuno il suo" o "La ruota gira per tutti".
Nel contesto specifico di questa satira del 1818, il titolo assume un significato molto preciso e potente:
• Il rovesciamento del potere: Significa che anche le persone più oppresse o prive di potere (in questo caso, gli schiavi africani) vedranno un giorno in cui la giustizia trionferà e i ruoli si invertiranno.
• Una condanna morale: Il "giorno" del sorvegliante bianco della piantagione è arrivato, ma sotto forma di punizione divina e retribuzione nell'inferno. Chi ha esercitato una crudeltà assoluta sui propri simili si trova ora a subire lo stesso identico destino.
• Speranza per l'abolizionismo: Per il pubblico dell'epoca che sosteneva la causa abolizionista, era un modo per dire che il sistema brutale della schiavitù non sarebbe durato per sempre e che i carnefici avrebbero prima o poi pagato per i loro crimini.
e così sia
Jackson Pollock
Jackson Pollock - Number 31 (1949)
Gocciolamento (drip painting) con pittura a olio,
smalto, alluminio e gesso su carta montata su masonite
79 × 57 cm - Collezione privata
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