il Fatto Quotidiano
venerdì 6 novembre 2026
Phrosine et Mélidore
anonimo pittore francese del primo terzo del XIX secolo
Phrosine et Mélidore
(da Pierre Paul Prud'hon)
Olio su tela - 32,5 x 24,0 cm - Musée Magnin, Digione, Francia
La storia di Phrosine e Mélidore è una vicenda tragica e fortemente passionale ambientata a Messina.
Il giovane Mélidore è perdutamente innamorato della bellissima Phrosine, e il sentimento è ricambiato. Il loro legame è però ferocemente ostacolato dai due fratelli di lei, Aymar e Jules. I motivi dei fratelli sono oscuri e spietati: Aymar rifiuta l'unione perché considera Mélidore di una classe sociale troppo inferiore, mentre Jules nutre una gelosia morbosa e un desiderio incestuoso verso la sorella.
I due amanti pianificano di fuggire insieme per farsi sposare in segreto da un vecchio eremita che vive su un'isola vicina. Durante il tentativo di fuga, tuttavia, vengono intercettati da Aymar. Ne nasce un violento scontro in cui Mélidore ferisce gravemente il fratello di Phrosine. Ritenuto erroneamente un assassino e braccato dai vendicatori, Mélidore è costretto a fuggire sull'isola. Lì scopre che l'eremita è morto; decide così di indossare gli abiti del monaco, prendendone il posto e vivendo in totale solitudine all'insaputa del mondo.
Nonostante la separazione forzata, la passione tra i due non si spegne. Per potersi incontrare in segreto, Phrosine e Mélidore escogitano un piano: ogni notte, guidata dalla luce di un fuoco acceso da Mélidore sulla scogliera dell'isola, Phrosine attraversa a nuoto lo stretto braccio di mare che li separa.
In perfetto stile con i drammi romantici e i miti classici, il destino si rivela fatale. Durante una notte di terribile tempesta, la luce del faro improvvisata da Mélidore si spegne a causa del vento forte. Priva di un punto di riferimento nell'oscurità e sopraffatta dalle onde violente, Phrosine muore annegata. Il mattino seguente, Mélidore ritrova il corpo senza vita della sua amata sulla spiaggia e, distrutto dal dolore, decide di togliersi la vita per ricongiungersi a lei nella morte.
Henri Gustave Jossot
Henri Gustave Jossot - Les Refroidis ("I Raffreddati")(1903-04)
dalla rivista satirica francese anarchica e libertaria "L'Assiette au Beurre"
n° 156 del 26 marzo 1904, intitolato interamente "Les Refroidis".
La frase in calce recita:
— Surtout époussetez bien mon thorax : j'ai des toiles d'araignées à la place du cœur.
(Soprattutto spolverate bene il mio torace: ho delle ragnatele al posto del cuore.)
Jossot, noto per le sue posizioni radicali e anarchiche, sfrutta l'espediente macabro dei morti (i "raffreddati") per lanciare una feroce critica alla società del suo tempo:
La satira della distinzione sociale: Anche nel regno dei morti, le barriere di classe non svaniscono. Il borghese mantiene il suo cilindro e la sua pretesa di essere servito da una domestica. La morte non ha livellato lo status sociale, rivelando l'assurdità e l'artificialità di tali convenzioni.
L'aridità emotiva della borghesia: Le "ragnatele al posto del cuore" descrivono l'insensibilità, l'egoismo e l'indifferenza morale della classe dominante della Belle Époque. Per Jossot, la borghesia era una classe spiritualmente morta e priva di cuore già prima di finire sotto terra.
Gahan Allen Wilson [Autore americano, fumettista e illustratore, 1930–2019]
"I think it's his beeper."
"Penso sia il suo cercapersone."
Joseph Wright of Derby [Regno Unito, 1734–1797]
Joseph Wright of Derby - An eruption of Vesuvius seen from Portici (c.1775)
Under Paris (Sous la Seine, 2024 diretto da Xavier Gens)
La storia ha inizio tre anni dopo una tragedia oceanica che ha colpito la biologa marina Sophia. La scienziata viene contattata dall'attivista ecologista Mika, che ha rilevato la presenza di un imponente squalo mako mutato, battezzato "Lilith", cresciuto a dismisura nei pressi del vortice di spazzatura del Pacifico e misteriosamente risalito lungo il fiume Senna, nel cuore di Parigi.
Cansu Rossi [Turkish, b. 1980s]
Cansu Rossi - Blue Moka (2026)
Oil on stretched canvas - 30 x 40 cm
Uno studio del 2009 condotto da ricercatori della Durham University e pubblicato sulla rivista Personality and Individual Differences ha evidenziato una correlazione tra un elevato consumo di caffeina e una maggiore predisposizione alle allucinazioni.
Punti principali dello studio:
Il campione: Sono stati coinvolti circa 200-219 studenti universitari a cui sono stati somministrati questionari su consumo di caffeina, livelli di stress e tendenza ad avere allucinazioni.
I risultati: I "forti consumatori" (che assumevano l'equivalente di più di 7 tazze di caffè solubile al giorno tramite caffè, tè o energy drink) avevano una probabilità tre volte superiore di riportare esperienze allucinatorie — come sentire voci o vedere cose inesistenti — rispetto a chi ne beveva meno di una tazza al giorno.
Il ruolo dello stress e del cortisolo: I ricercatori hanno ipotizzato che la caffeina aumenti la risposta del corpo allo stress e la produzione di cortisolo (un ormone legato a queste esperienze), oppure che le persone più stressate o con tendenze allucinatorie usino la caffeina come meccanismo di "coping" (adattamento) per gestire i sintomi o la stanchezza.
Causazione vs. correlazione: Gli autori dello studio (tra cui lo psicologo Charles Fernyhough) hanno precisato che la ricerca mostra una correlazione e non prova un rapporto di causa-effetto diretto.
Soslan Sosiev [Pittore e artista russo pop-surrealista, b. 1993]
Soslan Sosiev - tributo a L'Assassin menacé di René Magritte(2020s)
Acrilico su tela
Nel dipinto di Soslan Sosiev, la sostituzione dell'impianto scenico originale di René Magritte con un ambiente da bagno e l'inserimento del gorilla stravolgono la narrazione borghese e poliziesca del 1927, inserendo una forte dose di ironia contemporanea e svelando una nuova dimensione psicologica.
Il contrasto simbolico tra le due opere si articola su tre livelli:
La dissacrazione del dramma: la stanza da bagno
Nell'originale di Magritte: La scena si svolge in un salotto borghese elegante, austero e freddo, che funge da palcoscenico per un enigmatico delitto da romanzo noir.
Nella versione di Sosiev: L'ambiente viene declassato e modernizzato in un bagno privato piastrellato, completo di tenda della doccia e di un ombrello rovesciato sul pavimento. Il bagno è lo spazio intimo, quotidiano e vulnerabile per eccellenza. Portarvi un delitto surrealista (o una scena di levitazione) sposta il focus dal mistero metafisico alla comicità dell'assurdo domestico.
L'istinto primordiale contro l'ordine borghese: il Gorilla
Nell'originale di Magritte: Sullo sfondo compaiono tre uomini anonimi che spiano la scena da una finestra sopra le montagne, incarnando il voyeurismo e il giudizio della società.
Nella versione di Sosiev: I tre testimoni scompaiono per lasciare il posto a un oblò in cui un gorilla ruggisce ferocemente. La figura dell'animale incarna la rottura definitiva della compostezza: rappresenta l'istinto selvaggio, l'inconscio primordiale e la natura incontrollabile che irrompe violentemente nella rigida e asettica quotidianità dell'uomo in bombetta. Mentre l'uomo rimane immobile, voltato di spalle e congelato nei suoi abiti formali, il gorilla esprime l'urlo e la tensione emotiva che l'essere umano tenta di reprimere.
La levitazione invece della morte
Nell'originale di Magritte: La donna distesa sul divano è chiaramente una vittima insanguinata, priva di vita.
Nella versione di Sosiev: La figura femminile fluttua magicamente a mezz'aria, evocando un senso di estasi, trans o sogno indotto. Questa sospensione – unita all'acqua o all'idea della purificazione legata al bagno – trasforma la macabra scena originale in un paradosso visivo leggero e onirico, dove la gravità (sia fisica che emotiva) viene completamente annullata.
L'operazione di Sosiev unisce le radici della sua "mitologia personale" — fatta di atmosfere vulnerabili e disorientanti — al linguaggio del pop-surrealismo moderno, dove la citazione colta incontra la cultura visiva dell'assurdo e del meme di internet, creando un contrasto stridente e affascinante tra ordine e caos.
Henry Edward Gaze [Fotografo neozelandese, 1874-1953]
Henry Edward Gaze - The Spell (L'incantesimo), 1929
L'opera mette in scena un'atmosfera sospesa e carica di mistero, tipica del filone "gotico" o esoterico della fotografia di inizio Novecento.
Al centro della scena troviamo due figure contrapposte. A sinistra, una giovane donna giace distesa con gli occhi chiusi e le mani incrociate sul petto in una posa che ricorda il sonno profondo, la trance ipnotica o la morte. A destra, una figura anziana e ammantata di scuro estende le braccia sopra di lei.
Il titolo The Spell (L'incantesimo) lascia l'interpretazione aperta all'osservatore. La scena può essere letta sia in chiave oscura — come l'atto di una strega che scaglia una maledizione — sia in chiave rituale o terapeutica, evocando pratiche dell'epoca come l'ipnotismo, il mesmerismo, l'esorcismo o una guarigione spirituale.
Henry Edward Gaze realizzò questa stampa in un periodo in cui la fotografia lottava ancora per essere riconosciuta come una vera e propria forma d'arte autonoma.
I fotografi pittorialisti rifiutavano la pura nitidezza documentaristica della macchina fotografica. Cercavano invece di emulare l'estetica della pittura e del disegno attraverso l'uso di filtri soft-focus (messa a fuoco morbida) e manipolazioni in camera oscura, ottenendo atmosfere sfumate ed evocative.
Gli esperti del Museum of New Zealand Te Papa sottolineano come l'opera sia fortemente influenzata dallo stile del fotografo americano William Mortensen, noto per i suoi scatti legati al cinema hollywoodiano degli anni '20 e '30. Le atmosfere cupe e l'illuminazione ricalcano da vicino il cinema espressionista tedesco (come Nosferatu o Il gabinetto del dottor Caligari), che proprio in quegli anni stava gettando le basi visive dei primi film horror della storia.
Pietro da Cortona (Pietro Berrettini) [Italian Baroque Era Painter, 1596-1669]
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Scuola di Pietro da Cortona
Un'aquila che combatte con un serpente e un putto nel cielo che regge uno stendardo (XVII sec.)
Penna e inchiostro nero, pennello e acquerello nero su tracce di gesso nero, lumeggiature
con guazzo bianco e grigio-blu - 24.5 x 18.6 cm - The Metropolitan Museum of Art, NYC
Un'aquila (simbolo della città di Trento) combatte contro un serpente attorcigliato, mentre in alto a sinistra brilla il sole e un putto alato regge un cartiglio con l'iscrizione latina "Sternit humi foedos hostes & celsa tuetur" ("Atterra a terra i nemici turpi e protegge le cose alte").
Questa composizione è stata utilizzata come celebre antiporta o incisione allegorica per la Vera concilii tridentini historia (1670) del cardinale Sforza Pallavicino, simboleggiando il trionfo della verità e della Chiesa sul male e sull'eresia.
Nel contesto del Barocco romano, l'uso di simboli iconografici come l'aquila, il serpente e il sole assumeva una forte valenza politica, teologica e propagandistica. Questo stile artistico nacque per stupire, persuadere e riaffermare l'autorità universale della Chiesa cattolica dopo lo scisma della Riforma protestante.
Le tre figure principali presenti nel disegno della scuola di Pietro da Cortona riflettono perfettamente i canoni del linguaggio barocco:
L'Aquila e il Serpente: La Lotta tra Bene e Male
Il motivo dell'aquila che combatte contro il rettile affonda le sue radici nell'Iliade di Omero e nell'arte romana. Nel Seicento, questo scontro divenne la metafora per eccellenza della vittoria di Cristo (l'aquila) sul peccato e su Satana (il serpente).
Nell'incisione ufficiale tratta dal disegno, il combattimento rappresenta la difesa attiva del dogma cattolico. L'aquila incarna la vigilanza e la fermezza della Chiesa (nonché la città di Trento, sede del Concilio) che schiaccia le insidie del serpente, simbolo ricorrente associato all'eresia protestante.
Il Sole Raggiante: La Luce della Verità Divina
Nel Barocco, la luce non era un semplice elemento naturale, ma la manifestazione visiva di Dio e della Verità assoluta. Gli artisti barocchi, in primis Gian Lorenzo Bernini nella celebre scultura della Verità svelata, usavano il sole per indicare una conoscenza superiore che dissipa le tenebre dell'inganno.
I raggi che scendono dall'alto non lasciano zone d'ombra. Simboleggiano la grazia divina che guida le decisioni della Chiesa cattolica romana nel definire i propri dogmi in contrapposizione alle dottrine riformate.
Il Putto e il Cartiglio: La Parola Gloriosa
I putti o amorini venivano impiegati come elementi di raccordo dinamico nello spazio. Non sono mai statici; volano tra le nuvole e creano un senso di profondità teatrale tipicamente seicentesco.
Il cartiglio svolazzante con l'iscrizione latina funge da "chiave di lettura" intellettuale dell'immagine. Nel Barocco fiorì la cultura degli Emblemi e delle Imprese, in cui un testo breve e arguto doveva integrarsi perfettamente con la componente visiva per istruire lo spettatore e sollecitarne l'intelletto.
Nicolas Poussin [French Baroque Era Painter, 1594-1665]
Nicolas Poussin - Le Triomphe de Pan (1636)
Olio su tela - 135,9 × 146 cm - National Gallery, Londra
L'opera raffigura una scena dionisiaca e baccanale, una festa caotica e sfrenata nei boschi in cui satiri, ninfe e menadi danzano, bevono e celebrano attorno a una statua del dio Pan (o di Priapo), con riferimenti classici all'antichità greco-romana e al mondo del teatro antico (evidenziato da maschere e strumenti musicali in primo piano).
Dietro una scena apparentemente caotica si nasconde una profonda riflessione filosofica. Al centro dell'opera c'è la tensione costante tra la ragione umana e gli impulsi primordiali della natura, espressa attraverso simboli colti tratti dalle letture di Ovidio e dall'archeologia romana.
I principali dettagli mitologici e le figure assumono precisi significati allegorici:
Il simulacro al centro (L'erma di Pan o Priapo)
La statua attorno a cui ruota la danza è un'erma (un pilastro sormontato da un busto) raffigurante Pan (dio della natura selvaggia e degli istinti) o Priapo (dio della fertilità e dei giardini).
Il colore rosso, che tradizionalmente ricopriva queste statue durante i riti agricoli, rappresenta il sangue, il vino e l'energia vitale della Terra. La sua staticità contrasta con il movimento frenetico dei presenti, elevando gli istinti carnali a fulcro attorno al quale gravita l'esistenza terrena.
Le maschere teatrali e gli strumenti in primo piano
In basso a sinistra e al centro si notano una siringa di Pan (flauto di Pan), un bastone da pastore (pedum) e diverse maschere teatrali abbandonate sul terreno.
Questi elementi richiamano l'origine greca del teatro, nato proprio dai rituali e dai drammi dionisiaci. Simbolicamente suggeriscono che la civiltà e i ruoli sociali sono solo "maschere" temporanee: quando l'uomo si abbandona alla natura selvaggia ordinata da Pan, si spoglia delle convenzioni sociali (la maschera cade) per mostrare la sua vera essenza animale e istintiva.
I satiri, le ninfe e il capro
Un satiro (metà uomo e metà capra) aiuta una ninfa vestita di azzurro a cavalcare un capro, animale sacro a Pan. Più in alto, un'altra figura solleva una preda cacciata per offrirla al dio.
Il capro e i satiri incarnano la lussuria, l'irrazionalità e la sessualità sfrenata priva dei freni inibitori imposti dalla morale. La ninfa che cavalca la bestia simboleggia l'essere umano che si lascia trasportare e dominare dalle proprie passioni fisiche.
La composizione a fregio e l'ordine geometrico
Nonostante il disordine del baccanale, Poussin dispone i corpi in modo estremamente bilanciato, quasi stessero scorrendo come un bassorilievo su un antico sarcofago romano.
Questa è la chiave di lettura intellettuale tipica di Poussin. Inserendo il caos degli istinti dentro una rigorosa gabbia geometrica e classica, il pittore afferma che la ragione (l'ordine geometrico dell'arte) può e deve contenere le passioni umane più selvagge, impedendo loro di sfociare nella pura distruzione.
giovedì 5 novembre 2026
Pensierino della sera di @albika
Avere la depressione e dover aspettare mesi per essere
visitati da uno psicologo perché non te ne puoi
permettere uno privato è anch'essa violenza.
Il capitalismo ferisce e uccide in molte, moltissime forme.
Una nube a supercella
L'immagine mostra una nube a supercella (un intenso temporale caratterizzato da un forte updraft rotante,
noto come mesociclone), fotografata nei cieli del Wyoming (USA) dal gruppo di cacciatori di tempeste Basehunters
Il Mesociclone è la struttura portante della nuvola: una colonna d'aria in rotazione che le conferisce il caratteristico aspetto a "navicella spaziale" o a trottola.
Questo tipo di temporale è il più pericoloso e organizzato, spesso associato a grandine di grandi dimensioni, forti raffiche di vento, nubifragi e la possibile formazione di tornado.
A differenza dei temporali multicella comuni, la supercella mantiene una forte correnti ascensionale (updraft) separata dalla corrente discendente (downdraft), permettendole di durare per ore e percorrere grandi distanze.
Ikenishi Gonsui /Tsuchiya Koitsu [Japan, 1870-1949]
kogarashi no
hate wa arikeri
umi no oto
C’è una meta
per il vento dell’inverno:
il rumore del mare
: : 池西言水 : :
Miles Cleveland Goodwin [Pittore statunitense, b. 1980]
Miles Cleveland Goodwin - Bat hanging from a birds nest (2024)
Oil on canvas
Salvador Dalì [Spanish Surrealist Painter, 1904-1989]
Salvador Dalí - Couple aux têtes pleines de nuages (Coppia con le teste piene di nuvole)(1936)
Dittico composto da due pannelli indipendenti. Le cornici in legno sono tagliate
su misura per seguire esattamente i contorni antropomorfi delle due silhouette.
Olio su tavola di compensato sagomata
Pannello sinistro (figura maschile): 92,5 x 69,5 cm
Pannello destro (figura femminile): 82,5 x 62,5 cm
Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, Paesi Bassi
Le due cornici sagomate non sono figure astratte. Quella di sinistra, più dritta, rappresenta lo stesso Salvador Dalí, mentre quella di destra, dolcemente reclinata, rappresenta Gala, sua moglie, musa e manager.
La posa della figura di Gala riprende esattamente la postura della donna nel dipinto L'Angelus di Jean-François Millet. Dalí era letteralmente ossessionato da quel quadro ottocentesco, in cui vedeva profondi significati sessuali repressi e angosce nascoste, e lo citò in moltissime sue opere.
I tavoli imbanditi con tovaglie bianche si trovano nella parte inferiore dei corpi. Questo crea un paradosso spaziale: l'esterno (il paesaggio desertico e il mare di Port Lligat) diventa l'interno dei personaggi, suggerendo che la realtà intima della coppia sia fusa con la natura che li circonda.
Dalí ha firmato l'opera sul pannello maschile scrivendo "Gala Salvador Dalí". Non si trattava di un errore: il pittore siglava spesso i suoi capolavori più importanti unendo il proprio nome a quello di Gala, poiché la considerava co-autrice biologica e spirituale di tutto il suo genio.
Maurizio L'Altrella [Italia, b.1972]
Maurizio L'Altrella - The Golden Calf (Il vitello d'oro)(2014)
Olio su tela - 240 × 170 cm - Collezione privata
Pietro da Cortona (Pietro Berrettini) [Italian Baroque Era Painter, 1596-1669]
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Pietro da Cortona - Busto di giovane donna rivolta a sinistra (1637)
Grafite e tocchi di colore - The Albertina Museum, Vienna
Kehinde Wiley [Pittore statunitense, b.1977]
Kehinde Wiley - Judith and Holofernes (Giuditta e Oloferne)(2012)
North Carolina Museum of Art, Raleigh, Carolina del Nord, US
L'opera fa parte della prima serie di ritratti femminili di Wiley intitolata An Economy of Grace, creata per ribaltare la rappresentazione storica delle donne nell'arte occidentale.
La protagonista è una donna afroamericana ritratta con un elegante abito haute couture blu disegnato da Riccardo Tisci (Givenchy), mentre sullo sfondo e intorno a lei si sviluppa un sontuoso motivo floreale bidimensionale tipico dello stile barocco e decorativo di Wiley. La testa recisa tenuta in mano è quella di uno dei suoi assistenti.
Andy Warhol [American Pop Artist, 1928-1987]
Andy Warhol - Mao Zedong (1972)
dalla serie dedicata al ritratto del presidente
The Albertina Museum, Vienna
Il Giudizio Universale (pannello dell'inferno / La caduta dei dannati)
Dieric Bouts the Elder - The Last Judgment (Hell panel)(det.)(1450)
Palais des Beaux Arts, Lille, France
Gustav Klimt [Austrian Art Nouveau Painter, 1862-1918]
Gustav Klimt
Portrait of a woman with cape and hat in a three-quarter profile (1897−98)
Albertina Museum, Vienna
Serpente Arboricolo a Testa Tronca (Imantodes cenchoa), noto anche come Serpente Liana o Serpente dagli Occhi Grandi) / Italo Calvino
[+]
«Tutto l'inferno della mia vita era concentrato in quegli occhi
grandi, fissi e spietati, che mi guardavano senza vedermi.»
: : Italo Calvino : :
Jean-Antoine Watteau [Francia, 1684–1721]
Jean-Antoine Watteau - Pélerinage à l'île de Cythère (1717)
(L'imbarco per Citera)
Oil on canvas - 120 x 190 cm - Louvre Museum, Paris
Dipinto fondamentale del Rococò francese, opera-manifesto del genere delle fêtes galantes.
Il soggetto rappresenta un gruppo di giovani aristocratici in un paesaggio bucolico mentre si preparano a imbarcarsi (o a fare ritorno) alla volta di Citera, l'isola leggendaria consacrata alla dea dell'amore, Venere.
L'allegoria del viaggio ruota interamente attorno al tema dell'amore, della seduzione e della transitorietà del piacere, riflettendo lo spirito disincantato ma edonista della Francia della Régence (l'inizio del XVIII secolo).
La critica d'arte si è a lungo divisa sul significato spaziale del dipinto. Non è chiaro se le coppie stiano partendo per l'isola o se stiano lasciando Citera per tornare alla realtà:
L'ipotesi del ritorno (la più accreditata): I personaggi sembrano aver già vissuto l'esperienza idilliaca. La malinconia diffusa suggerisce il ritorno alla vita di tutti i giorni. L'amore ideale è per sua natura effimero: dura il tempo di un viaggio, e la malinconia nasce dalla consapevolezza che quel momento di perfezione sta per finire.
• L'ipotesi della partenza: Rappresenta l'attesa del piacere e il rito del corteggiamento. Il viaggio verso l'isola simboleggia l'aspirazione umana verso una felicità assoluta e senza vincoli, lontana dalle rigide convenzioni sociali dell'epoca.
Il dipinto è ricco di dettagli che costruiscono questa complessa rete allegorica:
La statua di Venere: Sulla destra si erge un'erma di Venere (la dea dell'amore), avvolta da ghirlande di rose. Sotto di essa sono poggiati un arco e una faretra, simboli di Cupido. Il fatto che sia in ombra e circondata dalla natura selvaggia suggerisce un amore che appartiene a una dimensione mitica, quasi sacrale.
L'evoluzione delle coppie: Guardando i personaggi da destra verso sinistra, Watteau mette in scena le diverse fasi del corteggiamento:
1. A destra (sotto la statua): Una donna ascolta un uomo che le sussurra parole all'orecchio; è la fase dell'invito e della timida resistenza.
2. Al centro: L'uomo aiuta la donna ad alzarsi; è il momento del consenso, la coppia decide di muoversi insieme.
3. A sinistra (verso la nave): Le coppie camminano abbracciate verso l'imbarco. L'amore è ormai pienamente accettato e condiviso.
I putti e Cupido: Numerosi amorini alati fluttuano nell'aria e spingono dolcemente gli amanti verso la barca dorata. Uno di essi, seduto a terra a destra, tira la gonna della donna per sollecitarla a cedere all'invito del suo cavaliere.
La nave dorata e i barcaioli: La nave che attende i passeggeri è guidata da amorini e da figure che ricordano il mito di Caronte o di marinai fantastici. La sua struttura dorata rimanda al concetto di un'arca o di un vascello dei sogni, capace di traghettare gli esseri umani fuori dal tempo reale.
L'atmosfera luminosa e nebbiosa: Il paesaggio sullo sfondo non è nitido, ma sfuma in una nebbia dorata e azzurrina. Questa scelta stilistica accentua il carattere di sogno a occhi aperti o di ricordo sfocato, rafforzando l'idea che Citera non sia un luogo geografico, ma uno stato d'animo.
Henri Gustave Jossot
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Henri Gustave Jossot - Les Refroidis ("I Raffreddati")(1903-04)
dalla rivista satirica francese anarchica e libertaria "L'Assiette au Beurre"
n° 156 del 26 marzo 1904, intitolato interamente "Les Refroidis".
La frase in calce recita:
— "Plus de dents ! Impossible de manger les pissenlits par la racine !..."
"Niente più denti! Impossibile mangiare i tarassachi dalla radice!..."
(che equivale all'italiano "andare a concimare i vermi").
Lo scheletro, non avendo più i denti, ha in mano un coltello con cui cerca comicamente di tagliare o scalzare la pianta dal terreno per riuscire a consumarla.
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