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“Uccidere per divertirsi, provarsi nella performatività sportiva di colpire un fagiano d’allevamento, pretendere che l’ambiente sia a propria totale disposizione, turbare la quiete pubblica e mettere a repentaglio l’incolumità altrui, girovagare sotto le abitazioni delle persone con un fucile carico, spargere esche avvelenate: questa è la caccia, nient’altro. Una pratica anacronistica e priva di significato, sostenuta per gli interessi di uno sparuto numero di persone ai danni dell’intera comunità. La caccia non può essere regolamentata ma solamente vietata. Dietro alla caccia non c’è solo l’istante dell’uccisione, ma si nasconde un modo perverso di gestire il territorio e di distruggere l’ambiente naturale.”
martedì 10 novembre 2026
Rhea Mack [American illustrator]
Rhea Mack - On My Mind (2014-25)
Matite colorate
Il dipinto raffigura una persona seduta su una sedia con radici che affondano nel terreno, uno scheletro racchiuso in una nube rosa piena di occhi fluttuanti, un sole e un cane rosa che corre nel cielo. Le opere di Rhea Mack sono note per il loro stile onirico, giocoso e bizzarro, spesso creato su carta colorata con un uso intenso di tonalità pastello e confetto.
Giullare ridente mentre tiene in mano un ago con del filo e un berretto da matto
Dipinto fiammingo del XVI o XVII secolo che ritrae un buffone o giullare
ridente mentre tiene in mano un ago con del filo e un berretto da matto
(spesso attribuito alla scuola fiamminga o a cerchie vicine a Joos van Cleve o Andreas Herneisen),
recante in basso l'iscrizione latina "SI CREDEREFASEST" ("Se è lecito crederci")
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Käthe Kollwitz [German Expressionist Printmaker and Sculptor, 1867-1945]
Käthe Kollwitz - Die Witwe II (La vedova II)(1922-23)
dalla serie "Krieg" (La guerra)
L'opera ritrae una figura femminile (una vedova) sdraiata o curva, con un forte impatto drammatico legato al lutto, alla sofferenza e al dolore provocato dalla guerra, temi centrali nella produzione dell'artista dopo la perdita del figlio minore Peter durante la Prima guerra mondiale.
Shirin Neshat [Artista iraniana]
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Shirin Neshat - Rebellious Silence (1994)
dalla serie "Women of Allah"
I peccati capitali di anonimo incisore del XVI sec.
Anonimo incisore del XVI secolo scuola nordeuropea (fiamminga o tedesca)
Allegoria della LUSSURIA (LVXVRIA)(Copia da Jacques Callot)(tra il XVI e il XVII sec)
Una figura ibrida con corpo e coda di gallo/serpente, testa e busto femminili (un'iconografia tipica delle personificazioni dei vizi o delle arpie/basilischi nell'arte rinascimentale).
Francisco de Goya [Spanish Rococo Era/Romantic Painter and Printmaker, 1746-1828]
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Francisco de Goya - Soplones (1799)
Tavola numero 48 della serie "Los Caprichos"
Si tratta di un acquaforte e aguatinta che fa parte della raccolta satirica di Goya contro i vizi, le superstizioni, l'ignoranza e i mali morali della società del suo tempo.
La scena mostra creature mostruose e pipistrelli umanoidi che soffiano (da cui il titolo Soplones, ovvero i delatori, i "soffioni" o maldicenti) addosso a persone atterrite che si coprono il volto. Simboleggia il veleno della calunnia, del pettegolezzo e delle spie che plagiano e tormentano la società.
Henri Gustave Jossot [Illustratore, pittore e caricaturista francese, 1866–1951]
Henri Gustave Jossot - Les Refroidis ("I Raffreddati")(1903-04)
dalla rivista satirica francese anarchica e libertaria "L'Assiette au Beurre"
n° 156 del 26 marzo 1904, intitolato interamente "Les Refroidis".
La frase in calce recita:
- Quelle attitude méditative ! À quoi pense-t-il ?»
("Che atteggiamento meditativo! A cosa sta pensando?)
Due scheletri guardano un uomo che si è impiccato (ormai ridotto anch'esso a uno scheletro) e scambiano la tragica rigidità e il capo chino della morte per una posa di profonda riflessione o meditazione intellettuale.
La domanda "A cosa sta pensando?" è volutamente paradossale e grottesca, poiché viene rivolta a un cadavere. Sottolinea l'inutilità dei grandi dilemmi esistenziali umani di fronte all'ineluttabilità della fine.
Jossot era un noto anarchico e anticlericale. Spesso utilizzava la figura della morte o degli scheletri per spogliare l'essere umano dalle sue sovrastrutture sociali. In questo contesto, i due scheletri osservatori rappresentano il distacco e l'insensibilità della società borghese che, davanti a un dramma assoluto e definitivo come il suicidio, non prova empatia o orrore, ma si limita a fare un commento superficiale, quasi estetico o filosofico da salotto.
Graham Annable [Fumettista e animatore canadese, b. 1970]
They were shocked to have met October coming out of the woods already.
Furono scioccati nel vedere October uscire già dal bosco.
Luis Sepúlveda
"Non serve a niente una porta chiusa:
la tristezza non può uscire
e l'allegria non può entrare."
: : Luis Sepúlveda, Aforismi : :
Mark Rothko [Latvian-born American Abstract Expressionist Painter, 1903-1970]
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Mark Rothko - Red on Maroon (Seagram Murals)(1959)
Tecnica [1] - (Collection Tate Modern, London)
Mark Rothko - Veduta dell'installazione dei murales “Seagram”, nella
mostra “Rothko” presso la Fondation Louis Vuitton, Parigi, 2023
[1] La tecnica utilizzata da Mark Rothko per Red on Maroon è straordinariamente complessa e innovativa: l'opera è realizzata con una tecnica mista su tela che unisce pittura a olio, vernice acrilica e colla animale.
Rothko non si limitava ad applicare il colore tubetto dopo tubetto, ma agiva quasi come un antico alchimista per ottenere una superficie che non sembrasse dipinta, ma che emanasse luce propria.
Rothko preparava da solo i leganti. Univa pigmenti secchi in polvere a colla di pelle di coniglio calda, uovo, resine e persino vernici commerciali alla nitrocellulosa. Questa mescolanza creava fluidi con consistenze e gradi di opacità o lucentezza radicalmente diversi.
La tela presenta decine di strati sovrapposti, incredibilmente sottili. Rothko applicava il colore in velature liquide e trasparenti, quasi come se fossero acquerelli, strofinando il colore sulla tela con pennelli larghi, spugne e stracci.
Poiché i pigmenti sottostanti rimangono parzialmente visibili attraverso quelli superiori, la luce attraversa i vari strati e rimbalza indietro. È questo gioco ottico a far apparire i rettangoli scuri come se stessero fluttuando e pulsando davanti allo sfondo marrone.
Proprio a causa di questa tecnica sperimentale e dell'uso di materiali sensibili, i Seagram Murals sono opere estremamente fragili. I pigmenti utilizzati (tra cui il celebre rosso litolo) tendono a sbiadire o a cambiare tonalità se esposti alla luce diretta. Per questo motivo, la Tate Modern li espone in una stanza permanente mantenuta rigorosamente in penombra.
La storia dei Murali Seagram rivela tutto ciò che è essenziale sull’intransigente etica artistica di Rothko. Nel 1958 accettò un prestigioso incarico per dipingere grandi murali destinati al ristorante Four Seasons, situato nel celebre Seagram Building di Mies van der Rohe sulla Park Avenue di New York, allora il ristorante più costoso della città. Rothko iniziò la serie con entusiasmo, immaginando dipinti che avrebbero «rovinato l’appetito di ogni figlio di puttana che avesse mai mangiato in quella sala».
Ma durante una cena del 1959 al Four Seasons, seduto tra la sua facoltosa clientela, Rothko percepì la profonda incompatibilità tra lo spettacolo lussuoso del locale e la serietà tragica dei suoi dipinti. Restituì l’anticipo, ritirò tutte le tele e alla fine ne donò un gruppo alla Tate Gallery: un gesto di straordinaria lucidità morale da parte di un artista che si rifiutava di permettere che le sue opere diventassero decorazioni per i potenti.
Hanna Schygulla / Rainer Werner Fassbinder / Michael Friedel [Germany, b. 1935]
Michael Friedel - Rainer Werner Fassbinder e Hanna Schygulla, 1970
L'immagine in bianco e nero, scattata dal fotografo Michael Friedel vicino a Monaco di Baviera, cattura il celebre sodalizio artistico e personale tra il regista del Nuovo Cinema Tedesco e la sua attrice-musa, immortalati in un momento informale durante il periodo in cui lavoravano insieme a numerosi progetti cinematografici e teatrali.
Tra i film più celebri e significativi nati dal sodalizio artistico tra il regista Rainer Werner Fassbinder e la sua musa Hanna Schygulla ricordiamo:
Il matrimonio di Maria Braun (Die Ehe der Maria Braun, 1979): Il loro capolavoro più famoso. Schygulla interpreta una donna determinata a sopravvivere e prosperare nella Germania della ricostruzione post-bellica. Questo ruolo le valse l'Orso d'Argento come migliore attrice al Festival di Berlino.
Le lacrime amare di Petra von Kant (Die bitteren Tränen der Petra von Kant, 1972): Un dramma claustrofobico e interamente femminile in cui Schygulla interpreta Karin, una giovane e opportunista modella che intreccia una relazione tormentata con la stilista Petra.
Lili Marleen (1981): Una delle loro ultime grandi collaborazioni. Racconta la storia di una cantante tedesca la cui scalata al successo durante il Terzo Reich è legata indissolubilmente a una celebre canzone.
L'amore è più freddo della morte (Liebe ist kälter als der Tod, 1969): Il lungometraggio d'esordio di Fassbinder, un noir minimalista e stilizzato che segna anche l'inizio della loro iconica collaborazione sul grande schermo.
Attenzione alla puttana santa (Warnung vor einer heiligen Nutte, 1971): Un film fortemente autobiografico e metacinematografico che descrive il caos, le nevrosi e le dinamiche di potere su un set cinematografico.
Roda Medhat [Kurdish-born artist based in Toronto, Canada working across sculpture, installation, public art, and moving image]
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Roda Medhat - Lawik Siwarek Bas E (2025)
Angela Strassheim [American photographer living and working in Brooklyn, New York and Jerusalem, b.1969]
Angela Strassheim - Untitled (Leia), 2006
Pietro da Cortona (Pietro Berrettini) [Italian Baroque Era Painter, 1596-1669]
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Pietro da Cortona - Comandante romano che ordina l'attacco
Sanguigna (gessetto rosso) su carta
Collezione del Dipartimento di Stampe e Disegni dell'Art Institute of Chicago (Stati Uniti)
Sulla destra campeggia la figura del comandante romano, il vero motore della scena.
È ritratto in piedi, di profilo, con una postura fiera e scattante. Il braccio sinistro teso nel gesto perentorio di indicare l'obiettivo catalizza l'attenzione di chi guarda e direziona l'energia di tutto il disegno.
Indossa l'armatura classica da generale (lorica) e un imponente elmo piumato con cimiero, elementi che ne esaltano lo status e la regalità. I dettagli anatomici delle gambe nude denotano la profonda conoscenza dei canoni della statuaria antica da parte dell'artista.
Al centro e a sinistra, ai piedi del comandante, si trova un fitto gruppo di commilitoni e fanti che funge da cerniera psicologica tra l'ordine impresso dal generale e l'azione bellica.
Alcuni soldati sono seduti o accovacciati a terra, colti in un momento di transizione drammatica tra il riposo e lo scatto. Un soldato volge la testa all'indietro per guardare il comandante, mentre un altro, imbracciando un'arma, sembra già protendersi in avanti.
In questa sezione il gessetto rosso descrive con cura i rilievi muscolari, i profili degli elmi e la sovrapposizione geometrica dei corpi, creando un forte senso di solidità e di massa tridimensionale.
Spostando l'occhio verso l'angolo superiore sinistro, la linea dell'orizzonte si impenna e il disegno cambia registro stilistico per narrare l'assalto vero e proprio.
I soldati scalano una ripida parete rocciosa o una fortificazione nemica. Qui le figure non sono più studiate singolarmente nei dettagli anatomici, ma sono evocate con linee rapide, veloci e vibranti.
Questa tecnica d'abbozzo più sfumata e corsiva genera un perfetto senso di distanza prospettica e restituisce concitatamente il caos, la polvere e la frenesia tipici del combattimento.
L'opera è costruita su una potente linea diagonale che parte dal braccio teso del comandante a destra e attraversa l'intero foglio fino a esplodere nella mischia in alto a sinistra. Pietro da Cortona riesce così a fondere la monumentalità dei singoli personaggi (derivata dallo studio dell'antico a Roma) con quel ritmo travolgente e coreografico che lo renderà uno dei padri fondatori della grande decorazione barocca.
Bernardino Luini [Italian High Renaissance Painter, ca.1480-1532]
Bernardino Luini - La conversione della Maddalena (ca. 1520)
Oil on panel - 64.7 x 82.5 cm - San Diego Museum of Art, USA
Il dipinto raffigura un dialogo allegorico o morale tra due figure femminili: a destra Santa Maria Maddalena (che in origine simboleggiava la vanità terrena prima della conversione, con un abito sfarzoso e un vaso di unguenti) e a sinistra Santa Marta (sua sorella, vestita in modo sobrio con un velo giallo, intenta a esortarla alla penitenza e alla conversione).
I dettagli posizionati sul tavolo davanti alle due donne caricano la scena di un profondo valore allegorico e spirituale.
Il vaso d'argento o di marmo (Alabastron) è l'attributo iconografico universale di Maria Maddalena.
Il richiamo biblico: rappresenta il contenitore di profumo prezioso con cui la Maddalena lava e unge i piedi di Gesù nel Vangelo di Luca, o con cui si reca al sepolcro la mattina della Resurrezione.
La transizione: In questo specifico contesto, il vaso segna il punto di svolta. Non serve più a contenere i cosmetici della vanità mondana, ma diventa lo strumento della devozione, della penitenza e dell'amore per Cristo.
Accanto alla mano sinistra di Marta si notano alcuni piccoli oggetti di valore lasciati cadere sulla tavola.
Il rifiuto della vanità: Si tratta di catenine, fermagli e ornamenti di cui la Maddalena si sta spogliando.
La scelta morale: La rinuncia ai gioielli simboleggia l'abbandono definitivo dei piaceri effimeri, del lusso e dell'orgoglio terreno in favore di una vita consacrata alla modestia e alla virtù cristiana, sotto la guida della sorella Marta.
La spilla con la grande pietra scura incastonata al centro del petto di Maria Maddalena possiede una duplice chiave di lettura, strettamente legata alla sua trasformazione spirituale:
Simbolo di sfarzo e "Vanità": Collocata proprio sulla scollatura dell'abito verde e rosa, la spilla rappresenta l'ultimo legame visibile con il passato mondano della Maddalena. È il fulcro della sua bellezza terrena e della cura per l'aspetto esteriore, elementi che la sorella Marta la sta esortando a superare.
Il "Cuore di Pietra" e la conversione: Da un punto di vista allegorico, la pietra scura e opaca posizionata esattamente all'altezza del cuore simboleggia il "cuore di pietra", ovvero lo stato di cecità spirituale e di peccato prima della folgorazione divina. Lo sguardo sereno ma riflessivo della Maddalena suggerisce che quel cuore duro si sta sciogliendo, pronta ad accogliere la fede e la modestia.
L'inserimento di un gioiello così elaborato sul petto era inoltre un espediente tipico della scuola leonardesca per dimostrare la maestria del pittore nella resa dei riflessi di luce e dei materiali preziosi.
lunedì 9 novembre 2026
Pensierino della sera di Paco
Cinque morti sul lavoro in una sola giornata.
Forse è il caso che Giorgia Meloni scenda dal
pony ed inizi a pensare alle cose serie. Forse.
Louis-Maurice Boutet de Monvel [Pittore, scultore, incisore, illustratore di moda e decoratore d'interni francese, 1881-1949]
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Louis-Maurice Boutet de Monvel - Sirene (1895)
Gouache su seta - 27 x 39 cm - Collezione privata, Parigi
Una figura femminile (una sirena) galleggia placidamente sull'acqua increspata, con lunghi capelli rossi e dorati che si espandono intorno a lei in un'atmosfera tipica del Simbolismo di fine Ottocento.
Edmund Charles Tarbell [Americano, 1862-1938]
Edmund Charles Tarbell - The Blue Veil (Il velo blu)(1898)
Edmund Charles Tarbell, esponente di spicco dell'impressionismo americano e della "Boston School", nel 1898 realizza questo ritratto di una donna di profilo che indossa un cappello decorato e un delicato velo blu (o lavanda) che le ricopre parzialmente il volto e le spalle.
Il dipinto è caratterizzato da pennellate morbide e da una particolare attenzione alla luce e ai toni cromatici tipici della pittura di interni ed en plein air dell'artista.
William Blake [British Romantic Writer and Painter and Illustrator, 1757-1827]
William Blake - Ecate (1795)
Ecate (conosciuta anche come La notte della gioia di Enitharmon) di William Blake rivela la complessa fusione tra mitologia classica, esoterismo e l'universo poetico personale dell'artista.
Al centro del dipinto siede una figura femminile parzialmente drappeggiata in nero, affiancata da altre due figure nude che le voltano le spalle. Questo nucleo racchiude una doppia chiave di lettura:
- La visione classica (Ecate): Tradizionalmente, l'opera è stata identificata come la rappresentazione di Ecate, la dea greca della stregoneria, della luna e degli inferi, spesso raffigurata in forma triplice (giovinezza, maturità e vecchiaia) o associata alle tre Parche che filano il destino umano.
- La visione mitologica di Blake (Enitharmon). Gli studiosi moderni collegano l'opera ai libri profetici scritti da Blake (Europe a Prophecy). La figura centrale sarebbe Enitharmon, simbolo della materia, dello spazio e della religione istituzionalizzata. La "sua notte di gioia" rappresenta il momento in cui impone un dominio morale e repressivo sul mondo, separando la carne dallo spirito e imprigionando l'umanità.
Ogni creatura inserita da Blake nel paesaggio oscuro e sotterraneo non ha un intento puramente decorativo, ma porta con sé un preciso significato:
- L'asino che bruca: Posizionato a sinistra, rappresenta lo stato vegetativo e l'ignoranza cieca della razza umana, sottomessa alle leggi materiali della natura.
- Il gufo: Appollaiato sulla roccia, guarda direttamente lo spettatore. Nella mitologia di Blake è il simbolo della falsa saggezza, della razionalità e della filosofia scientifica astratta (da lui aspramente criticata).
- Il libro aperto: Sotto la mano sinistra della donna giace un testo scritto. Rappresenta la legge scritta, i dogmi e le proibizioni religiose che limitano la libertà spirituale dell'uomo.
- Le creature nell'ombra: Sopra le teste delle figure vola una strana creatura simile a un pipistrello dal volto vagamente felino o di lucertola, mentre un rettile sbuca dalle rocce. Sono emanazioni del mondo degli incubi e del subconscio, che proliferano nel regno della pura razionalità priva di immaginazione.
La figura centrale è seduta, fissa lo sguardo verso l'esterno della tela ma non incrocia gli occhi del pubblico; sembra assorta in una dimensione interiore o rituale. La mano sul libro sancisce l'autorità del comando e del dogma.
I toni sono cupi, dominati da marroni, neri e grigi gessosi, che accentuano l'atmosfera claustrofobica, ctonia e infernale. La luce non proviene da una fonte naturale, ma illumina i corpi dal davanti, conferendo loro una consistenza scultorea che ricorda i rilievi di Michelangelo (da cui Blake fu fortemente influenzato).
Non si tratta di un dipinto a olio, ma di una monotipia o stampa a colori. Blake applicava i pigmenti (tempera e inchiostri grassi) su una superficie rigida, premeva la carta e infine rifiniva i dettagli a mano con acquerello e penna. Questa tecnica creava superfici ruvide e texture uniche, perfette per evocare un senso di antichità e mistero.
Per Blake, il vero peccato dell'umanità era l'abbandono dell'immaginazione e dell'energia vitale a favore della fredda ragione e delle regole sociali. Quest'opera è l'istantanea di un mondo che ha perso la sua connessione con il divino e la libertà, sprofondando nell'oscurità dei dogmi e della sottomissione materiale.
Ed van der Elsken [Fotografo e regista olandese, 1925-1990]
Ed van der Elsken - Girl in the Subway, Tokyo, 1984
Charles Léandre [French Painter, 1862-1934]
Charles Lucien Léandre - Mr. Vautour (Mister Avvoltoio)
della serie "I mostri della società" (Les Monstres de la Société)
per L'Assiette au Beurre (n. 79, del 4 ottobre 1902)
La caricatura rappresenta l'usuraio o il "signor Vautour" (figura d'affari spietata) come un mostro grottesco e mefitico, simile a un uccello rapace, con una testa calva a forma di uovo, occhialini, artigli al posto delle mani e un corvo minaccioso sullo sfondo.
Il personaggio è raffigurato mentre rovista tra scartoffie, atti giudiziari e fascicoli legali (etichettati come PROCÉDURE), intento a speculare sulla miseria altrui, circondato da una bilancia della giustizia squilibrata.
Sotto l'illustrazione compare un testo satirico che descrive la figura come "l'uomo d'affari, l'uccello notturno e rapace che trascina la sua preda nell'ombra", paragonando la sua famelicità alla stessa spada della giustizia.
Hiro Sugiyama [Artista giapponese]
Hiro Sugiyama - Neo Hokusai (2016)
Il Flower Carpet (Tappeto di Fiori) allestito nella storica Grand-Place di Bruxelles, in Belgio
Per comporre il tappeto floreale sono state utilizzate centinaia di migliaia di dalie (circa 750.000 fiori).
L'edizione del 2026 ha celebrato i 160 anni di relazioni diplomatiche e di amicizia tra Belgio e Giappone.
L'edizione del 2026 ha celebrato i 160 anni di relazioni diplomatiche e di amicizia tra Belgio e Giappone.
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